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El Prófugo

EL PRÓFUGO

 – Por Samuel Sánchez.

Se dice que las pesadillas son una manifestación de nuestro subconsciente, una representación de nuestras inquietudes más profundas. ¿Pero qué ocurre cuando las pesadillas se convierten en realidad? El Prófugo (2022) es el largometraje argentino seleccionado para representar a Argentina en la categoría de Mejor Película Extranjera en los premios Oscar de 2022. La historia busca cuestionar al público de conocer si se encuentra viendo el mundo terrenal del personaje o todo las acciones plasmadas a cuadro, son un espacio onírico.   

La narrativa comienza con Inés (Erica Rivas) una actriz de doblaje y cantante de ópera que está a punto de viajar con su pareja Leopoldo (Daniel Hendler) a lo que promete ser unas gratificantes y relajantes vacaciones. En el transcurso del viaje Inés se percata que su pareja no es lo que ella creía, sus vacaciones se tornan en un constante estrés que no puede tolerar más. Llega la noche y en sueños Inés busca comunicarse con alguien, Leopoldo despierta a Inés y le exige que le diga con quién hablaba en su sueños; Inés solo le puede responder que tiene un sueño recurrente donde alguien quiere contactarse con ella, sin embargo, no puede distinguir con claridad quién es esa persona, pero de manera esporádica ocurre un evento traumático que cambia el rumbo de la pareja y es así que Inés comienza a plantearse la hipotética de creer que alguien la está acechando.

Pasa el tiempo e Inés vuelve a su realidad, continúa prestando su voz para el doblaje de películas japonesas al español y canta en el coro, pero paulatinamente su garganta comienza a irritarse y no le permite proyectar la voz como ella siempre lo ha hecho. 

Inés comienza a vivir acontecimientos paranormales, la duda se plasma en su interior y siente que no logra comprender cuál es la realidad y donde inicia lo imaginario. No obstante debe permanecer alerta en todo momento debido a la sensación de correr peligro de algo que no logra ver. Es así que en el estudio de grabación, Inés gracias a una mujer mayor a ella,  entiende el término de “Prófugos” y reconoce que su vida corre peligro al saber que hay seres que provienen de sus sueños y tienen como propósito consumirla.

Un concepto creado en el ámbito sobrenatural que es llevado por el suspenso, el planteamiento que todo “prófugo” puede ser liberado por medio de la voz y este apoderarse de la mente del portador.

La película genera un ambiente de incertidumbre donde llegamos a considerar que el personaje principal no tiene escapatoria y será consumido en un trágico destino. Al ir avanzando la trama comenzamos a dudar si todo lo que ocurre en realidad es un hecho tangible o es una alucinación que busca desorientar al personaje, la constante duda si enfrenta a espíritus o monstruos. Los acontecimientos arrojan la incógnita si las personas que rodean a Inés pueden ser o no Prófugos, es ahí cuando el salto de encuadres figura como un método efectivo para propiciar la idea que todo lo que ve Inés es una alucinación creada por estas criaturas que quieren salir de su cuerpo. La tensión aumenta con cada decisión que toma Inés, un frenesí de emociones controla la atmósfera para concluir con la incertidumbre de no saber si Inés logrará salvar su vida.

La directora Natalia Meta logra sembrar paulatinamente dudas a lo largo del arco narrativo, donde se cuestiona si todo lo que acontece en la trama es verídico o nos encontramos ante una persona que ha sido manipulada por entes que buscan ser liberados de una prisión paranormal a través de su voz. Desde su inicio la directora crea una atmósfera de suspenso psicológico en donde todo momento nos arroja pistas de lo que puede llegar a ocurrirle al personaje, sin embargo, al momento de conocer la verdad, nos encontramos ante una incertidumbre de cómo Inés logrará escapar a dicha manifestación de lo paranormal que está dentro de su cuerpo. 

Siendo una adaptación de la novela de C.E. Feiling, el punto de vista que maneja es el terror al identificar cómo una fuerza invisible tiene posibilidades de atormentar al portador, controlar su mente y evocar la desesperación por acabar con su tortura, permitiendo ser poseída.  

El largometraje a pesar de contar con ciertos momentos lentos en el guion, cumple con la sutil finalidad de dejar al público adivinando entre la idea si el personaje sufre un trastorno mental o en realidad fue controlada por un ente sobrenatural. Una impecable actuación por parte de Erica Rivas acompañada de un diseño de sonido perfectamente trabajado que sumerge en su totalidad a esta atmósfera de terror y horror. El prófugo es un claro ejemplo de cómo Argentina tiene la capacidad de contar historias de suspenso sin la necesidad de utilizar un gran presupuesto, ni música que provoque una sensación de pánico antes de presentar al monstruo.

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La médium, Entre el chamanismo y lo psíquico

La médium :

Entre el chamanismo y lo psíquico

 – Por Árbol Rojo.

La historia del bien contra el mal se ha contado de muchas formas, lo cual es más común que el bien gane, pero en esta ocasión hablaremos de una historia en la que el mal triunfa. La medium (2021), una película de origen tailandés la cual es una mezcla entre los géneros de terror y falso documental. Este largometraje narra la vida de una chamán llamada Nim Tonvali y su familia, ella asegura estar poseída por la diosa Ba yan, quién protege a los enfermos que tienen dolencias espirituales. Ba yan, solo posee a las mujeres de la familia Tonvali y todo indica que quién la rechaza tiene graves consecuencias. 

Para el mundo exterior una chamán no conlleva mucho significado, más en Tailandia en el área de Isan los ritos y ceremonias van más allá de la comprensión humana. 

La película se centra en tratar de entender a una deidad simbólica, que protege y cura; tan indispensable como un doctor en cualquier ciudad. La ritualidad de Ba yan y la conexión con Nim crean un ambiente esotérico que envuelve hasta el más escéptico. 

En la familia de Nim existían problemas espirituales desde antes de que comenzaran los eventos de la película, la fractura de la relación entre ella y su hermana Noi es una de las perdiciones de esta familia. Poco a poco llevará a que todos los demás integrantes estén perdidos en sus propios deseos, ignorando el peligro que los acecha. Mink, la única hija de Noi empieza a sufrir un trastorno que la hace actuar erráticamente, sin saber que es, solo se piensa en Ba yan y la transición de posesión a una nueva chamán en la aldea. No obstante la muerte y desgracia acechan desde el lado oculto de los espíritus moviéndose a través de la familia y dejando un rastro de sangre.

El film juega con las emociones más profundas y las perspectivas que tenemos sobre aquellos que nos rodean, haciendo ver a otros como algo siniestro. Cuanto más avanza más nos adentramos en la verdadera naturaleza de lo espiritual y como todo de una forma u otra se conecta con Ba yan. Para cada personaje dentro de esta historia el punto clave se encuentra en sus instintos y como la situación se va desarrollando hasta tornarse incomprensible. Mientras más se esfuerzan por librar a Mink de lo que pareciera ser Ba yan, el espíritu se torna aún más irascible y violento. 

La visión del director Banjong Pisanthanakun de que parezca un documental te hace dudar sobre la veracidad de los hechos ocurridos en la película. En un inicio todo es llevado en forma de reportaje más los clichés que deja el avance de la película evidencian el área segura que ha tomado la dirección del proyecto. Aun así los ritos hacen cuestionarse sobre la realidad de la cultura tailandesa y sus creencias. El guión de Na Hong-jin y Banjong Pisanthanakun y sus 

perspectivas nos introducen a lo sobrenatural y hace crecer el sentimiento de intriga hacia lo desconocido, de todas maneras no llega al cenit ya que durante la primera mitad de la película el cambio drástico de protagonista crea un sentimiento de indecisión en el guión que acompaña a toda la película. 

La película muestra una enseñanza mayúscula, ya que narra las creencias y rituales de la cultura ancestral; que tiene como centro a los dioses, sin dejar de lado la carga que conlleva ejercerlas como chamán. La medium va de un lado al otro ejerciendo una presión en lo que creemos, lo que vemos y lo que pensamos de aquello que no comprendemos. Sin embargo las religiones tienen caras y formas, las deidades antiguas no comprenden este significado, ya que ni siquiera las encontramos vívidas en la memoria de aquellos que les rezan.

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Cine mexicano llega fuerte a la edición 72 de la Berlinale

Cine mexicano llega fuerte a la edición 72 de la Berlinale

 – Por Árbol Rojo.

El Festival Internacional de Cine de Berlín es uno de los más esperados, conocido por exhibir películas y cortometrajes trascendentales. Por años se ha visto cómo los cineastas, guionistas y productores mexicanos tienen presencia con paso firme en los festivales más prestigiosos, el año pasado no fue la excepción, México obtuvo un premio: el oso de plata, a Mejor Contribución Artística con la película “Una película de policías”. En esta edición número 72°, existen seis posibilidades de ganar, con dos cortometrajes y cuatro films. Con cada largometraje más realista y fascinante que el anterior. 

Una de las más esperadas es Manto de Gemas (México/Argentina/USA) de Natalia López Gallardo, que ha sido nominada anteriormente en el Premio Ariel y el Premio Fénix a la Mejor Edición. En su nuevo film muestra una historia descarnada en la que tres mujeres se enfrentan al crimen organizado. Isabel intenta ayudar a la hermana desaparecida de su ayudante, María solo quiere recuperar a su hermana, mientras 

Roberta una comandante de policía tan solo quiere sacar a su hijo del narcotráfico. Por otra parte en la división Berlinale Short Films se encuentra Four Nights (USA/México/Nepal) dirigida por Deepak Rauniyar, trata de dos nepalíes que llegan a USA para realizar sus sueños de ser creadores de cine, más esta decisión podría cambiar su relación irreparablemente. En la sección Panorama Feature Films se encuentra El norte sobre el vacío (México) de Alejandra Márquez Abella. Nos cuenta como Alejo Garza Tamez, empresario de Tamaulipas se enfrentó en 2010 contra el crimen organizado, que le exigía entregar su rancho. Está basada en hechos reales. 

En el apartado Generation K-Plus se encuentran seleccionadas El reino de dios (México) de Claudia Sainte-Luce que nos abre los ojos a Neimar, un niño que reside en el campo y se encuentra en una encrucijada entre la fe y la desilusión, entretanto busca la felicidad en la compleja realidad que vive. Por otra parte el cortometraje Alma y Paz (Mexico/USA) dirigida por Cris Gris, narra el fuerte lazo de una niña con su madre fallecida, mientras su adulta media hermana la empuja hacía los planes a futuro. La división Generation 14 plus trae a Beba (USA/México) de Rebeca Huntt, narrando como una chica latina en Nueva York comienza a madurar y darse cuenta del crudo legado social que le ha tocado. 

Cada película cuenta con una historia que realza la realidad mexicana y los enfrentamientos esperanzadores que se buscan en el futuro aunando en la realidad que no se aparta del guión. 

Todo esto sin siquiera contar el programa Berlinale Talents (networking) que contará con seis jóvenes prometedores de la industria en México, que fueron seleccionados internacionalmente, ellos son: Regina Serratos (distribuidora), Arturo Salazar (diseño de sonido), Fabiola Santiago (crítica de cine/periodista), Analía Goethals (editora/directora), Miguel Ángel Sánchez (productor/director) y Kevin Smithers (banda sonora).

También habrá cinco productores en el Programa de Visitantes del Mercado de Coproducción los cuales son: Ana Laura Calderón, Gabriela Maldonado, Juan Manuel Sepúlveda, Carlos Hernández y Gabriel Stavenhagen con el objetivo de aumentar la coproducción con otros países. Por parte de los premios Teddy división dentro del festival nos emociona mencionar que Pepe Ruiloba, nuestro director de programación en Árbol Rojo será jurado dentro de la sección de cine LGBTQ+. 

Este año México podría obtener reconocimiento en este festival, no solo por el trascendentalismo de cada film sino por la realidad que se esconde debajo el cine.

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Carlos Carrera: La ilusión de la fantasía para explorar realidades imperfectas.

Carlos Carrera:

La ilusión de la fantasía para explorar realidades imperfectas.

 – Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Durante la década de los años noventas el cine mexicano pasó por un momento incierto, debido a la sequía en la producción nacional a partir de varios eventos contextuales que afectaron el desarrollo de la industria fílmica en nuestro país. Dando como consecuencia poca producción que no cumplía las expectativas de los públicos, fomentando una idea errónea e indiferencia ante el cine producido en nuestro país, la cual perduró en nuestras audiencias por décadas. Claramente esta parsimonia temporal no era un reflejo de la falta de talentos, ya que fue cuando México vio surgir a mentes que hasta la fecha han sido pivotes para la promoción del cine nacional en los más altos niveles.

Entre esas figuras tan importantes de la cinematografía nacional podemos encontrar a Carlos Carrera, un joven lleno de entusiasmo que desde una corta edad cuestionó y exploró la realidad por medio de la creación, siguiendo su pasión por relatar historias se volvió un autodidacta inspirado por la elocuencia de las imágenes, que lo hicieron buscar en los dibujos un lenguaje para traducir aquello que se quedaba corto ante las palabras, pero que lo llevó ante lo audiovisual generando un puente entre los sentidos y los relatos que surgen de lo cotidiano desde exploraciones más impresionistas que se acercan a los públicos sin importar el medio, la técnica o el género, pero si entendiendo que todos los públicos merecen una narración imaginativa y crítica.

Así como los pintores impresionistas de finales del siglo XIX, Carlos Carrera persiguió otra idea de belleza, una que le permitiera interactuar con el arte desde una figuración que antepone la imperfección y juega con la honestidad frente a la belleza canónica, cuestionando las heridas sistemáticas de la sociedad y especulando ante un terreno escabroso que muestra la crudeza internalizada de la humanidad; una realidad que desde su subjetividad conecta y crea experiencias multidimensionales.

Así como los pintores impresionistas de finales del siglo XIX, Carlos Carrera persiguió otra idea de belleza, una que le permitiera interactuar con el arte desde una figuración que antepone la imperfección y juega con la honestidad frente a la belleza canónica, cuestionando las heridas sistemáticas de la sociedad y especulando ante un terreno escabroso que muestra la crudeza internalizada de la humanidad; una realidad que desde su subjetividad conecta y crea experiencias multidimensionales.

La necesidad de Carrera para encontrar historias en cualquier rincón habitual lo ha llevado a no encasillarse y experimentar con la televisión, el teatro y el cine, como productor, escritor, dibujante, animador y director tanto en el cortometraje como en el largometraje en live-action como en animación, ha construido una robusta experiencia como narrador. Lo que le ha permitido encontrar las mejores maneras para acercar al espectador frente a un relato que interconecta temas, formas de producción, técnicas discursivas e incluso apuesta por una estética divergente a la habitual.

Entrar al cine de Carlos Carrera no significa entender la realidad del mexicano, sino poder insertarse en una revisión integral de las carencias universales que devienen en defectos que alimentan el lado más oscuro del ser humano, cuestionándole subjetivamente desde un imaginario desbocado que pretende no asemejarse totalmente al mundo en el que se basa, sino usarlo para engendrar historias de simpleza aparente pero que son solo el nivel más superficial de una compleja serie de capas que generan un mundo propio

No olvides inscribirte al “Taller de realización cinematográfica” que impartirá virtualmente el realizador mexicano de la mano con Árbol Rojo. Encuentra todos los detalles en el siguiente enlace: http://arbolrojocine.com/taller-virtual-de-realizacion-cinematografica/  




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ÁRBOL ROJO PRESENTA A CARLOS CARRERA EN EL TALLER VIRTUAL DE REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA

ÁRBOL ROJO PRESENTA A CARLOS CARRERA EN EL TALLER VIRTUAL DE REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA

 – Por Árbol Rojo.

Árbol Rojo inicia actividades rumbo a su 5° Aniversario, presentando el “Taller virtual de realización cinematográfica”, impartido por el internacionalmente galardonado cineasta mexicano Carlos Carrera; reconocido por películas como: “El Crimen del padre Amaro” (2002), nominada al Oscar y Globo de Oro a mejor cinta extranjera, el cortometraje “El Héroe” (1994), obra ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes al mejor cortometraje animado, así como su cinta más reciente “Ana y Bruno” (2017), aplaudida por el público y la crítica en el Festival Internacional de Cine Animado de Annecy, entre muchas tantas obras de la autoría del realizador, escritor y productor.

El Taller Virtual de Realización Cinematográfica tiene como objetivo profesionalizar  a todas y todos los interesados con herramientas necesarias en la producción de proyectos fílmicos de calidad, llevando este proceso de aprendizaje en compañía de un profesional con más de treinta años de experiencia en el rubro del cine y la animación. Dentro del contenido del taller se tocarán algunos temas como; Principios del Lenguaje Cinematográfico, Formatos de Guion, Construcción de Personajes y  Diálogos, Dirección y Producción, entre otros temas que dotarán de conocimientos necesarios para su formación profesional a los inscritos en este encuentro.

El taller se llevará a cabo los días miércoles 09, jueves 10 y viernes 11  de febrero en la modalidad virtual, en un horario de 18:00 a 21:00 hrs (hora Ciudad de México). La convocatoria se lanzó oficialmente el día 10 de enero y cerrará el día 07 de febrero, hay un cupo limitado a 100 participantes y una cuota de recuperación. 

Si quieres conocer más a detalle sobre este taller y ser parte de este encuentro fílmico, regístrate a través de nuestras redes sociales o por medio del link; http://arbolrojocine.com/taller-virtual-de-realizacion-cinematografica/

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NUESTROS TOP 10 PELÍCULAS DEL 2021

Nuestros top 10 del 2021.

 – Por Árbol Rojo.

El 2021 estuvo lleno de grandes filmes y novedosas apuestas para la próxima temporada de premios, así que los colaboradores de Árbol Rojo prepararon unas listas de sus películas favoritas. Te presentamos estos top 10 personales sobre las mejores cintas que nos trajo este año, y esperamos que consideres verlas si no lo has hecho ya.

Top 10 Alejandro Silveira
  1. THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino (Italia)
  2. THE POWER OF THE DOG de Jane Campion (Australia)
  3. TITANE de Julia Ducournau (Francia)
  4. UNA PELÍCULA DE POLÍCIAS de Alonso Ruizpalacios (México)
  5. DUNE de Denis Villeneuve (Estados Unidos)
  6. THE WORST PERSON IN THE WORLD de Joachim Trier (Noruega)
  7. DON´T LOOK UP de Adam McKay (Estados Unidos)
  8. LAMB de Valdimar Jóhannsson (Islandia)
  9. MALIGNO de James Wan (Estados Unidos)
  10. ANNETTE de Léos Carax (Francia)
Top 10 Pepe Ruiloba

1. SPENCER  de Pablo Larraín
2.THE WORST PERSON IN THE WORLD de Joaquim Trier
3. BERGMAN ISLAND de Mia Hansen-Løve
4. FLEE de Jonas Poher Rasmussen
5. TITANE de Julia Ducournau
6. MASS de Fran Kranz
7. THE LOST DAUGHTER de Maggie Gyllenhaal
8. IN THE HEIGHTS de John M. Chu
9. BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN de Radu Jude
10.COMPETENCIA OFICIAL de Gastón Duprat, Mariano Cohn

Top 10 Mauricio Orozco
  1. MEMORIA (2021) de Apichatpong Weerasethakul 
  2. TITANE (2021) de Julia Ducournau
  3. DAYS (2020) de Tsai Ming Liang 
  4. VITALINA VARELA (2019) de Pedro Costa 
  5. LAMB (2021) de Valdimar Jóhannsson
  6. SUMMER OF SOUL (…OR, WHEN THE REVOLUTION COULD NOT BE TELEVISED) de Ahmir-Khalib Thompson 
  7. EL PODER DEL PERRO (2021) de Jane Campion 
  8. PIG (2021) de Michael Sarnoski 
  9. FEAST (2021) de Tim Leyendekker 
  10. FLEE (2021) de  Jonas Poher Rasmussen
Top 10 Carlos Chablé
  1. DON’T LOOK UP de Adam McKay 
  2. DUNE de Denis Villeneuve
  3. THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
  4. LAMB de Valdimar Jóhannsson
  5. TITANE de Julia Ducournau  
  6. ETERNALS de Chloé Zhao
  7. RED ROCKET de Sean Baker
  8. SWAN SONG de Benjamin Cleary
  9. EL DRAGÓN DE LA TETERA de Chris Appelhans
  10. UNA PELÍCULA DE POLICÍAS de Alonso Ruizpalacios
Top 10 Eduardo «Güero» 
  1. PIG de Michael Sarnoski
  2. TITANE de Julia Ducournau
  3. LAMB de Valdimar Jóhannsson
  4. LOS CONDUCTOS de Camilo Restrepo
  5. MIDNIGHT MASS de Mike Flanagan
  6. THE POWER OF THE DOG de Jane Campion
  7. MEMORIA de Apichatpong Weerasethakul
  8. ANNETTE  de Léos Carax 
  9. THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
  10. LOS HERMOSOS VENCIDOS de Guillermo Magariños
Top 10 Rodrigo Sayavedra
  1. UNA PELÍCULA DE POLICÍAS de Alonso Ruizpalacios
  2. THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
  3. THE POWER OF THE DOG de Jane Campion
  4. PIG de Michael Sarnoski
  5. C’MON C’MON  de Mike Mills
  6. THE GREEN KNIGHT de David Lowery
  7. DON’T LOOK UP de Adam McKay 
  8. MADRES PARALELAS de Pedro Almódovar
  9. SPIDER-MAN: NO WAY HOME de Jon Watts
  10. LA FAMILIA MITCHELL VS. LAS MÁQUINAS de Michael Rianda
Top 10 María Fernanda Barriga
  1. NOCHE DE FUEGO de Tatiana Huezo 
  2. TITANE de Julia Ducournau
  3. SPENCER de Pablo Larraín  
  4. TICK TICK BOOM de Lin Manuel Miranda 
  5. ZOLA de Janicza Bravo  
  6. INSIDE de Bo Burnham  
  7. WEST SIDE STORY de Steven Spielberg 
  8. THE ETERNALS de Chloé Zhao
  9. IN THE HEIGHTS de Jon M. Chu
  10. MAINSTREAM de Gia Coppola 

El próximo año promete ser uno emocionante, de más cine y grandiosas películas. Estamos ansiosos por ver el nuevo contenido fílmico que traerá el 2022. De parte de los colaboradores y todo el equipo que conforma Árbol Rojo, les deseamos un feliz Año Nuevo.

¡Nos vemos en el 2022 para ver y hablar más de cine!

 

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Medusa: Mirar a los ojos del neofascismo.

MEDUSA :

Mirar a los ojos del neofascismo. 

 – Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Bajo un definición general del término, entendemos — justicia — como una convención universal de criterios, principalmente, morales y éticos para generar una interacción interpersonal equitativa. Sin embargo, este concepto cambia su acepción cuando es replanteado desde una visión religiosa, en donde por lo menos desde el cristianismo, la justicia de Dios consta en la benevolencia para la salvación, y la justicia del hombre se podría resumir como una fidelidad total a la autoridad divina.

Brasil es un país conocido por su gran cantidad de feligreses y seguidores del cristianismo en sus diferentes divisiones. Es una nación que tiene un alto nivel de conservadurismo que ha permeado incluso en la clase política, apoyando discursos de odio que atentan contra la diversidad y los derechos humanos, fomentando la división social y dandole poder a fanáticos que se creen capaces de “aplicar la justicia por su cuenta”. 

En 2019 toma la presidencia Jair Bolsonaro, un conservador extremista que ha llevado el país a un retroceso en cuestiones de medio ambiente, diversidad, salud, economía y derechos humanos, entre otras cosas. Tanto él como la mayoría de los miembros del poder legislativo y el poder judicial se identifican como miembros de la iglesia evangelista con una visión catalogada como extremista. Lo que generó que solamente durante el 2019 se hayan permitido más de 200 ataques neofascistas contra mujeres por grupos de ultraderecha que buscaban la justicia golpeando, mutilando o matando personas que salían del parámetro de lo “correcto”. Incluso estas conductas de agresión han llegado tan lejos, que desde el 2015 la Iglesia Universal del Reino de Dios creó el ejercito fundamentalista, mejor conocidos como “Los gladiadores del altar” conformado por miles de jóvenes reclutados para patrullar las calles ejerciendo la justicia desde los parámetros morales, sin que la autoridad haga algo al respecto.  

Anita Rocha de Silveira con preocupación se acerca a esta realidad para generar una pieza audiovisual que entremezcla el terror psicológico, la crudeza de la violencia y la sátira por medio de la comedia musical. “Medusa” (2021) es su segundo largometraje, en donde cuenta la historia de un grupo de mujeres pertenecientes a una congregación católica, quienes están obsesionadas con la belleza, las redes sociales, la opinión de los demás, casarse y hacer justicia por su propia mano, agrediendo a mujeres “libertinas” por las noches. 

A partir de sus trabajos previos tanto en cortometraje como en largometraje, la directora se centra en la juventud desde una mirada que mezcla géneros cinematográficos para articular narraciones con poderosos contrastes formales que propulsan una crítica llamativa y contundente. En esta ocasión nos adentramos a una obra basada en la realidad que entreteje la mitología por medio de la figura de Medusa; una doncella encargada del templo de la diosa Atenea, donde fue violada por Poseidon y castigada por Atenea, quien cambió sus cabellos por serpientes con la capacidad de convertir en piedra a cualquiera que la mirara directamente a los ojos. Una metáfora bastante cruda y directa del Brasil contemporáneo, que se aprovecha de los contrastes para generar una atmósfera que se acerca al surrealismo de Lynch y la estética brillante de Argento en una confrontación sin sutileza, que decanta en una impresión catártica, exponiendo y criticando un perfil de doble moral en donde la violencia encuentra justificación como un acto de amor a Dios.

Estrenada en la más reciente edición del Festival de Cannes, en la sección Quinzaine des Réalisateurs comenzó un camino fructífero en festivales de todo el mundo, haciéndose de premios como: el de Mejor Película Latinoamericana en el Festival de Cine de San Sebastián, Mejor Película Internacional en el Festival de Raindance, Mejor Directora en el Festival de SITGES y Mejor Actuación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, entre otros.  Esta película fue la encargada de inaugurar la sexta edición de Cuórum Morelia. 

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Árbol Rojo presenta “Benedetta” de Paul Verhoeven en su Gala de Invierno 2021

Árbol Rojo presenta «Benedetta» de Paul Verhoeven en su Gala de Invierno 2021

 – Por Árbol Rojo.

La reconocida cinta “Benedetta” del realizador holandés Paul Verhoeven será presentada este lunes 13 de diciembre, gracias a la colaboración con Tulip Pictures y la alianza con Cinépolis, en una función especial para la capital de Quintana Roo.

Árbol Rojo presenta por 4to año su tradicional Gala de Invierno. Como es costumbre esta función especial se distingue por ser un pre-estreno comercial. En 2017 se presentó “The Square: la farsa del arte” del realizador sueco Ruben Östlund, en 2018 llego “Guerra fría” del polaco Pawel Pawlikowski y en 2019 la ganadora de Oscar a mejor película y mejor película internacional “Parásitos” de Bong Joon-Ho. Después de que durante el 2020 no presentáramos función por motivos de la pandemia, en 2021 tenemos el placer de exhibir “Benedetta” del gran realizador Paul Verhoeven en una función especial para Chetumal este lunes 13 de diciembre en Cinépolis, gracias a la colaboración con Tulip Pictures.

Paul Verhoeven responsable de cintas como: “RoboCop”, “Bajos instintos”, “Showgirls” y “Elle”, estrenó “Benedetta” este año en el Festival de Cannes compitiendo por la Palma de Oro, con una arriesgada película que narra cómo a finales del siglo XVII, la monja Benedetta se ve envuelta en un prohibido romance lésbico con una novicia. A partir de sus visiones religiosas dice ser enviada por Jesucristo, tendrá un impacto trascendental en la iglesia que será inmediato y la sacudirá hasta sus cimientos.

 

El filme que ha recorrido varios festivales como San Sebastián y Nueva York es protagonizado por: Virginie Efira, Daphne Patakia, Lambert Wilson y Charlotte Rampling, todos espléndidos y tremendamente inmersos en el juego del director. Clasificada entre el drama y el thriller psicosexual “Benedetta” estrenará en salas comerciales de todo México en enero de 2022.

Síguenos en redes sociales y mantente atento para que conozcas las mecánicas para asistir a este magno evento. 

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La Llorona: Los horrores del dolor.

LA LLORONA:

Los horrores del dolor.

 – Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Se nos ha dicho en muchas ocasiones que el cine no cambia la realidad, sin embargo cuando revisamos la historia de este medio artístico, nos damos cuenta que el cine sí es una ventana que nos puede acercar a otras realidades, y que al acercarnos a ellas nos llena de nuevos conocimientos y cuestionamientos. Hay directores que con su trabajo demuestran que el cine cambia la realidad justo como cualquier otro medio de comunicación, por medio de una conexión universal, pero que a diferencia de otros medios, el cine más que buscar informar; se centra en la transmisión de emociones, y como seres sensibles que somos, encontramos una relación que invariablemente afecta nuestro desarrollo en la realidad.

“La llorona” (2019) del director guatemalteco Jayro Bustamante presenta una adaptación de la leyenda popular de terror, en donde nos cuenta como después del juicio por el genocidio maya, el dictador Enrique Monteverde (Julio Díaz) y su familia se encierran en su mansión a partir del asedio de un grupo de manifestantes que se mantienen día y noche vigilantes fuera de su casa. Pasados los días la familia del dictador contrata a Alma (María Mercedes Coroy) como la nueva trabajadora doméstica. Sus rasgos mayas serán suficientes para traer recuerdos y culpas que abren un páramo fantástico.

El guión entrama su relato a partir del dolor social para gestar un reclamo colectivo desde una realidad espantosa que se centra en el genocidio a manos de la milicia guatemalteca en la década de 1980, donde se exterminaron comunidades mayas enteras con masacres sistemáticas que devinieron en más de 200 mil muertos y desaparecidos, sin culpables ni respuestas del Estado. Hasta que en 2013 se dictó la culpabilidad contra el general Efraín Ríos Montt en un juicio histórico, la cual fue posteriormente revocada y murió impunemente, dejando una llaga abierta en el tejido social y en la memoria colectiva de aquel país.

Uno podría creer que esta incorporación de una crítica política y un reclamo social podría ser una decisión riesgosa para una cinta de terror, sin embargo el director y su equipo encuentran la manera más adecuada para aprovecharse de los mecanismos del género por medio de una incorporación innovadora de la leyenda popular sin trivializar la realidad. El tratamiento deambula elegantemente entre el terror, la fantasía y el realismo mágico, en donde crea atmósferas que no busca el susto repentino ni los gritos desbordados, sino que desde la ficción nos invita a mirar los terrores mas universales y reales que podemos enunciar: la perdida de todo derecho humano. 

En los últimos años el cine de terror y fantasía ha plagado las pantallas con historias de reclamo sobre los horrores más cotidianos, mostrando que ese dolor se puede canalizar por medio de la creatividad para emanciparnos por medio de la catarsis. En Latinoamérica, Jayro Bustamante nos ha mostrado en sus trabajos previos su preocupación por explorar los dolores más latentes del contexto guatemalteco contemporáneo, tanto en “Ixcanul” (2015) como en “Temblores” (2019), y ahora en “La llorona” (2019) resaltan el clasismo, la homofobia y el desinterés en los derechos humanos, respectivamente.

El cine de Bustamante se vuelve un megáfono contra las injusticias, propone el cine como un medio de protesta, invita a la reflexión sobre aquellos dolores que hemos normalizado como parte de nuestro devenir, pero sobre todo, mantiene viva la esperanza de que ese dolor no se olvide para que nunca más vuelva a ocurrir algo así.

Después de un exitoso paso por una veintena de festivales y una decena de galardones a nivel mundial este largometraje finalmente llegará a las pantallas de Chetumal en una proyección especial de Árbol Rojo durante el marco del octavo Festival de Cultura del Caribe el sábado 27 de noviembre a las 20 hrs en el Centro Cultural de las Bellas Artes.

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Users: ¿Usuarios o esclavos de nuestra propia distopía?

USERS :

¿Usuarios o esclavos de nuestra propia distopía?

 – Por Mauricio Orozco
@Eralvy

“Por un momento somos solo carne… sin consciencia”

Desde la Revolución Industrial hemos encontrado un sin fin de oportunidades para ignorar la sobre explotación y degradación de los recursos naturales tras la consigna de “progreso”, dañando indiscriminadamente el medio ambiente justificándolo como los medios para generar avances tecnológicos. Sin embargo lo que se oculta detrás de esta maquinaria maquiavélica es una indiferencia y un egoísmo que nos está forzando a mirarle con atención para actuar antes de que sea muy tarde. 

Users” (2021) es el más reciente trabajo documental de la multi-premiada cineasta Natalia Almada, quien a partir de una propuesta narrativa que se desarrolla con apariencia de un documental, pero que con esmero roza los límites del ensayo buscando una interpretación del lenguaje por medio de una gran propuesta visual que más que tejer un discurso, invita al espectador a seguir las pistas emotivas con las que se guía su estructura. 

La directora toma de base su papel como madre para externar sus preocupaciones generando una carta al futuro en donde plantea grandes cuestionamientos sobre nuestro consumo actual y los sistemas faltos de ética y responsabilidad ambiental que nos ha llevado a depender de la sobre industrialización como parte de nuestra interacción con el mundo, en donde perdemos las libertades de usuarios para volvernos esclavos de nuestras propias distopías. 

La directora decide utilizar una técnica estructural que parte del contraste, con la cual no solamente se aprovecha para hacer un cuestionamiento analítico al sistema en el que estamos inmersos, sino que le suma una ilustración consciente de esa realidad que critica. Por medio de la construcción de un mosaico de imágenes que se yuxtaponen con puntualidad y destreza se contrapone lo natural con lo industrializado como vestigio de lo que hemos llevado al límite para solventar nuestros voraces hábitos de consumo, y ayudada de planos con gran complejidad compositiva que juegan con el estatismo de la cámara para definir su evolución desde los movimientos internos, pero también aprovecha los pocos movimientos de cámara para mostrar la mecanización a partir de la tecnología reflejada en la automatización que se describe, haciéndonos dudar de su “naturalidad”.

En momentos ese contraste entre lo natural y lo artificial abre puertas referenciales que resuenan y dialogan con las imágenes y las búsquedas simbólicas del cine de Laila Pakalnina o la determinación estética de Terrence Malick. La cinematografía de Bennett Cerf se encarga de permitir que el tiempo habite el cuadro y sea éste quien defina el movimiento hipnótico de los objetos en constante evolución, se trate de un bosque en llamas o de un tren a toda velocidad, el juego de perspectivas y la pulcritud del trazo de la cámara nos invita a repensar la mirada, usando nuestros ojos para atestiguar extractos de una realidad en momentos diminuta y grandilocuente en ocasiones. 

Users es un bellísimo recordatorio de que somos seres pasajeros por este plano, a partir de una hazaña cinematográfica desde su visión hasta su ejecución. Es un poema al planeta, una disculpa al medio ambiente, un arrepentimiento a la sobre-explotación y ante el descuido de los recursos naturales. Es una invitación a redefinir nuestra mirada, a observar con decoro, a aprovechar la capacidad de contemplación, a mirar por una rendija, a dialogar con imágenes deformes, a apreciar la enormidad y detenernos ante los detalles para comprender nuestra dependencia frente a las máquinas, pero también como recordatorio de nuestra necesidad de vincularnos con lo natural. 

Después de su estreno mundial en la más reciente edición del Festival de Sundance, “Users” continua su camino como parte de la Competencia Oficial de la décima edición del Festival Internacional de Cine de Los Cabos y la podrás disfrutar de manera virtual desde su plataforma gratuita habilitada para todo territorio mexicano.

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