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Batman: La verdad, la realidad y las mentiras

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 10, 2022

BATMAN :

La verdad, la realidad y las mentiras

– Por Árbol Rojo

Batman no es lo que creíamos. Todo lo que aprendimos y percibimos de él solo era la punta del iceberg. ¿Dónde está ese hombre que lucha por saber la verdad? ¿Batman tiene una parte humana o es frío como el hielo? ¿Qué impulsa a una persona a traspasar el bien y el mal? ¿Si Batman solo quiere venganza, solo se interesa en él? Todas las respuestas las tiene Matt Reeves en su nueva película.

The Batman (2022) maneja siempre un intrigante ambiente lleno de tensión y hace al espectador sentir que en cualquier momento algo terrible sucederá, mientras esto ocurre, vemos a un Batman muy diferente en pantalla. Este es interpretado por Robert Pattinson que reclama el nombre de este antihéroe de la forma más inesperada, mostrando a Bruce Wayne más humano, real e incluso vulnerable. A su vez vemos a Gatubela/Selina Kyle interpretada por Zoë Kravitz, una acompañante en el club Silver Lounge, mientras en la oscuridad desaparece como la gata y va hacía una dirección más impulsiva adentrándose a lugares que ni siquiera el protagonista es capaz de llegar. El nuevo villano de esta entrega es el Acertijo (Paul Dano) quien busca retornar a la realidad a los ciudadanos de lo que representa la ciudad de Gótica y las mentiras que conserva.

El acertijo maneja durante toda la película las migas de pistas que le deja a Batman, al mismo tiempo que los ciudadanos se quedan expectantes ante los hechos que ocurren en Gotham. Con cada enigma que lanza este villano demuestra su poder ante aquellos que tienen poder ilimitado, masacrando todo a su paso. Todo esto junto con la visión de una Ciudad Gótica sumida en el caos y la inseguridad llegando a su límite. La naturalidad con la que este nuevo largometraje recorre lugares siempre incómodos de tocar, cuando todo el sistema está podrido desde adentro alguien tendría que alzar la voz, pero en esta historia es el villano quien usa el miedo a su favor.

En cuanto a otros personajes esperados, se encuentra Colin Farrell como el pingüino, gangster dueño del Silver Lounge. Andy Serkis como el cuidador y mayordomo de Wayne, Alfred. Por el lado de la ley está Jeffrey Wright en la piel del Comisionado Gordon. Estos personajes se internan en la trama ya sea para ayudar a Batman o perjudicarlo, al mismo tiempo que este solo busca hacer lo mejor posible para toda la ciudad en una carrera contra la hipocresía.

Hemos visto muchas versiones de este héroe, como las versiones con tintes cómicos hasta las más oscuras como Batman: El caballero de la noche, es importante recalcar que la visión para esta película estuvo muy bien expresada ya que Matt Reeves el director fue también el guionista y esto ayuda a que se pueda ver una perspectiva nunca antes vista del personaje. El director ha contado en entrevistas que su inspiración para el nuevo Batman han sido los cómics “Year one” de Frank Miller , “Ego” de Darwyn Cooke y “The Long Halloween” obra de Jeph Loeb y Tim Sale. Todo este trasfondo ha brindado también a la estética del esta película un fuerte estilo Neo-noir que desarrolla a la perfección la vida en Gótica.

Las escenas de acción son excelentes, como en toda película de Batman estas no dejan de ser épicas sobre todo en las de las persecuciones en el Batimóvil sin dejar de lado la batalla final. Estas representaciones con sus nuevas adaptaciones están creadas con base a una expectativa de modernidad sin dejar lo intimidante de estos. La audacia del nuevo Batman refleja la juventud de éste, quien hará lo necesario para lograr sus objetivos.

La banda sonora de la película compuesta por Michael Giacchino no hace una entrada triunfal ya que se vuelve repetitiva y sin muchos cambios de tono en escenas fuertes o de acción. Sin duda está hecha más para Bruce Wayne que para Batman. Lo más rotundo en calidad de sonido no es la música sino la presencia de los sonidos de la misma película, lo que reduce la emoción que hemos visto en películas anteriores. La cinta es un poco larga con casi tres horas de duración, pero sin siquiera sentirse en absoluto.

Las actuaciones de los actores principales han llegado muy alto, no solo por el hecho de que estos personajes han sido retratados anteriormente y las expectativas estaban por los cielos.Tanto Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Andy Serkis y Jeffrey Wright han dado el “refresh” que se necesitaba ante las múltiples facetas de los personajes. Lo han hecho tan bien que están casi llegando a ser icónicos. Y no podíamos olvidar a unos cuantos personajes nuevos, el acertijo y el pingüino. Dano y Farrell crean una muy buena impresión para ponerles cara estos personajes que no habíamos visto recientemente plasmados en pantalla, haciéndolo con mucho éxito, quedándonos aficionados de ellos.

La nueva versión de Pattinson se convertirá sin ninguna duda en uno de los más recordados por este rol, quedando impreso en la memoria de todos. La cinta no te la puedes perder ya que abarca una perspectiva única de Batman que muestra su yo interior más que nunca.

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50 años de “El Padrino”

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada marzo 9, 2022

50 años de «El padrino»

Legado e historia del cine.

– Por Árbol Rojo.

Este año la primera parte “El padrino” de Francis Ford Coppola, cumple 50 años. La famosa historia de la familia Corleone planea una celebración a lo grande volviendo a ser estrenada bajo un proceso de remasterización con una resolución a 4K, presentándola en cines selectos.

La película está adaptada en la novela del mismo nombre escrita por Mario Puzo. La productora encargada de la restauración de esta icónica película fue American Zoetrope junto con Paramount Pictures, en palabras de Andrea Kalas (vicepresidenta senior) “Ha sido todo un privilegio restaurar estas películas, en una labor que nos llenó de admiración cada uno de los días que dedicamos al proceso”. Todo el proceso llevó 4 mil horas, entre anomalías, manchas y correcciones de color; cabe recalcar que el proceso fue supervisado nada más y nada menos que por su director Francis Ford Coppola y el guionista Gordon Willis.

El padrino narra la historia de la familia Corleone, miembros de la mafia italiana en Estados Unidos. Cuando el padre de esta familia, Vito Corleone, un hombre de avanzada edad, que después de un ataque en su contra ve a su imperio en peligro, por lo que debe sobrevivir para pasarle el imperio a uno de sus hijos. La decisión se encuentra en sus hijos: Santino “Sonny”, Alfredo y Michael. A merced de los enemigos que los rodean deberán restaurar su posición antes que sea demasiado tarde.

A continuación te presentamos unos datos curiosos de la película:

El gato que sujeta Vito Corleone al principio de la película durante la boda de su hija Connie era callejero.
George Lucas el creador de Star Wars filmó algunas escenas.
Marlon Brando utilizó una prótesis dental para rodar las escenas y así pudiera hablar de la forma en que lo hizo.
Robert De Niro audicionó para el papel de Sonny.
La cabeza del caballo decapitado era de verdad.
En el guión no está escrita la palabra “mafia”.

Para que una película pueda llegar a ser tan respetada y aclamada debe tener una absoluta cohesión entre la trama, la producción y los actores, logrando historias importantes que trasciendan. Interesante anécdota que contó Al Pacino sobre la relación que tuvo con Marlon Brando, ya que este último, incluso después del rodaje de la película, lo siguió llamando Michael mientras Al Pacino siempre lo llamó “Mr. Brando”, lo cual habla de la buenas relación que hubo entre los actores.

Es increíble como en este largometraje se muestra el poder que puede llegar a tener la mafia, también es interesante como ocurre en la vida real, ya que las personas quienes participan en diferentes organizaciones criminales, tampoco se mencionan así mismos como tales, con lo cual podemos ver el poder que puede llegar a tener esta cinta en la historia en general, habiendo dado un formato de autodenominación a diferentes grupos criminales, por esta y más razones, “El Padrino” ha merecido definitivamente ser considerada como un largometraje de culto que ha marcado a varias generaciones del significado de ser un gangster.

Francis Ford Coppola abarca los actos criminales de la familia Corleone de una forma magistral, donde durante las casi tres horas se puede apreciar la exactitud con la que el director administró la violencia, el reflejo del capitalismo norteamericano, el suspenso y por supuesto la sensacional trama que hasta hoy sigue atrayendo a nuevas audiencias.

Fue estrenada por primera vez en 1972 contando con las actuaciones de Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, Talia Shire, James Caan y Diane Keaton.

Sin duda “El Padrino” es el referente ante las películas de mafiosos y gangster que cuenta con la parte II y III que prolonga la narrativa de una manera exquisita ante una familia que solo se sirve en charola de oro, tan solo hay que escuchar la canción de El padrino Love Theme sonar para predecir que los Corleone están cerca.

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Madres paralelas

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 25, 2022

Madres Paralelas :

La deconstrucción de las conexiones

– Por Árbol Rojo.

Dos personas que terminan conectadas por ser compañeras de parto, una mujer madura, y una joven adolescente. De esto va la nueva película del director español Pedro Almodóvar (Volver, Dolor y Gloria) quien da un significado nuevo a lo que es ser madre.

La historia es mucho más compleja que una narración de dos mujeres que han decidido por mano propia ser madres solteras, aún sin importar las circunstancias. Janis (Penélope Cruz), al ser una fotógrafa exitosa tiene todas las comodidades, una niñera y alguien que le ayuda en la casa, mientras intenta desenterrar los restos de sus abuelos en su pueblo natal, asesinados en la Guerra Civil Española, buscando acabar con ese dolor prolongado de su pasado. Por otro lado, Ana (Milena Smit) una adolescente que vive en una familia rota por los estigmas y la marginación social. Su padre y madre están separados, turnando la responsabilidad de criar y cuidar a su hija única, hasta que queda embarazada, alejando a su padre y dejándola sola con su madre, quien intenta hacerse cargo de ella.

Es sumamente intrigante cómo el personaje de Janis busca lo mejor para su hija y la relación que tiene con Ana, pero las relaciones tienen fracturas, y repentinamente se quiebran. El quiebre de ellas resulta casi incomprensible, al menos para Ana, pero para Janis la historia es completamente distinta. El secreto que la carcome es tan duro y fuerte que ni ella misma siquiera sabe si puede decirlo en voz alta.

De este repentino quiebre la sacará Arturo, el paleontólogo forense que es el padre de Cecilia, la hija de Janis. Arturo (Israel Elejalde) no es un antagonista pero su toma de decisiones no es completamente correcta, lo cual no hace dudar de sus capacidades durante todo el film. Un hombre casado con una esposa enferma y ahora padre de la niña de su amante. Todas estas acciones llevan al personaje a ponerse en una situación que lo hace ver machista e irresponsable, sobre todo, cuando la fotógrafa se aparta de su vida por la supuesta idea de que la niña no es hija de Arturo. A pesar de todo esto, ambos logran mantenerse profesionales, siendo él quien le ayuda y gestiona la exhumación de los cadáveres de la fosa, en donde se presume que yace el abuelo de Janis.

Ana al igual que Janis, tiene una historia con quién es el supuesto padre de su hija. Así nos enteramos cómo Ana cayó rendida ante un chico que le gustaba, como los amigos de éste grabaron el video y la obligaron a hacerle lo mismo a ellos para que no publicarán la grabación. Fue de esa forma como Ana quedó embarazada, por chantaje y por violación. Un tema que hoy en día sigue latente.

Madres paralelas es una película que mezcla los géneros entre melodrama y el sainete para contarnos la historia de una pareja que a pesar de lo complicada que pudo ser esa relación se supo llevar adelante.

Se siente extraña esa conexión desde el principio. Como una mujer, como Janis y como una adolescente tan joven. El film nos recalca que sin importar de dónde vengamos, el futuro puede unir hasta lo que no parecía probable. Juntas atravesando problemas, superando la adversidad de cada día ante el mundo que las rodea, el estigma e incluso las repercusiones de ser mujeres.

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Licorice Pizza: La ilusión ante el recuerdo de un amor

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 23, 2022

LICORICE PIZZA :

La ilusión ante el recuerdo de un amor

– Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Hablar del amor siempre es una base para desarrollar narraciones que tratan de reflexionar a partir de uno de los temas más recurrentes para la humanidad. Estas exploraciones nos han ayudado a entender la complejidad de dicho concepto, y nos han mostrado que además sería imposible hablar de este tema sin acercarnos al deseo, desde sus distintas variaciones, y a la seducción como motor de éste. Sin embargo, cuando pensamos en el amor en el cine, normalmente caemos ante las romantizaciones más burdas que nos han instruido sobre este sentimiento como un ideal, sin dejarnos acercarnos con detalle ante lo catastrófico que puede ser el ritual de enamoramiento.

Licorice Pizza (2021), la más reciente película escrita y dirigida por Paul Thomas Anderson, enmarca una historia cotidiana y honesta de amor juvenil que se enfoca en los tropiezos del ritual de enamoramiento entre Alana y Gary, dos jóvenes guiados por la seducción y el deseo. Sin embargo surge un impedimento que plantea una limitación moral entre ellos, debido a la diferencia de edad, que genera una imposibilidad a que se concrete una relación, lo cual dará pie para desarrollar el camino que deberán sortear hacía la madurez que les permita estar juntos. Esta historia, además, se sitúa desde la memoria y el imaginario del pasado, donde por medio de la sutileza de su puesta en escena y vívidas ambientaciones, nos transporta al Valle de San Fernando, California durante la década de los setentas, pero no para abrazarse de la nostalgia como mero ejercicio estético, sino para transformarle en un espacio lúdico en donde el pasado se forja como un espacio fantástico para recordar e imaginar aquello que pudo ser, para ficcionar sin melancolizar.

Anderson desarrolla una narración con una aparente espontaneidad y simpleza que simulara no tener una guía clara o un gran desarrollo, aprovechando esta característica para evitar las complicaciones y partir de esa sencillez entrelazando la historia de Alana y Gary con subtramas que fungen como complemento y contraste frente al desarrollo de su relación. En esas subtramas que se presentan como una antología de anécdotas transversales, Anderson aprovecha para hacer un acercamiento meta-cinematográfico a Hollywood, en donde no busca enaltecer o embellecer desde los excesos, sino que lo toma como oportunidad para mofarse de la solemnidad y el aura que comúnmente vemos sobre el mundo cinematográfico estadounidense.

En ese sentido entendemos que después de una pausa, Paul Thomas Anderson vuelve a California, dejando atrás la elegancia y refinación del mundo de Reynold Woodcock en Phantom Thread (2017), y retoma el ambiente californiano desde lo catastrófico de “Doc” Sportello en Inherente Vice (2014), lo irreverente de Eddie Adams en Boogie Nights (1997), sumando lo pasional y desenfrenado de Barry Egan en Punch-Drunk Love (2002). Usándolo como pretexto para crear una narración con tintes autobiográficos y multi-referenciales que retoman la búsqueda del director por armar una cartografía de su natal California, como lo hemos visto en gran parte de su filmografía.

En realidad pareciera que Anderson busca que esta pieza sea más metalingüística que biográfica. Comenzando por la selección de su cast en donde decide que Alana sea encarnada por Alana Haim, integrante de la banda “Haim”, con quien ha colaborado en varias ocasiones en la realización de videoclips para su banda, y en el papel de Gary a Cooper Hoffman, hijo del fallecido actor Philip Seymour Hoffman, quien fuera constante colaborador y amigo cercano del director. Igualmente vemos como el director decide que el cine hable desde el cine, que sea Hollywood quien personifique a Hollywood por medio de la incorporación de caras conocidas como la de Sean Penn, Bradley Cooper, Tom Waits, Ben Safdie, Mary Elizabeth Ellis, John C. Reilly y Maya Rudolph quienes dan vida a personajes que parten de una referencia directa a personas del showbiz durante la época, tales como Lucille Ball, William Holden, Mark Robson, Joel Wachs y Jon Peters, quienes sirven como base para la creación de caricaturizaciones abstractas, cada una desconectada de la realidad a su manera.

Así mismo podemos notar guiños a filmes que mantienen rasgos narrativos y estéticos que abren puentes con cintas como Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese o The Graduated (1967) de Mike Nichols. Y de la misma manera, vemos gestos auto-referenciales a trabajos previos del director; a partir de los retratos fotográficos con que inicia la película, que nos remiten a la actividad principal de Freddie Quell en The Master (2012), el spot para la campaña del aspirante a alcalde con una estética y formato que nos recuerdan las grabaciones para adultos de Boogie Nights (1997), los planos cerrados ante un beso esperado, los paneos a toda velocidad siguiendo a los personajes quienes corren en contraluz con los aparadores iluminados con luces neon o la tienda de venta de camas de agua que tiene el personaje de Gary Valentine, haciendo un hermoso homenaje a su padre como Deam Trumbell, el vendedor de colchones en Punch-Drunk Love (2002).

La película es un homenaje en muchos niveles, es una forma en que el director no solo presenta su amor a su geografía natal, a su obra, al cine que le ha formado, pero también a las anécdotas personales que surgen desde la cotidianidad juvenil, conectando con las búsquedas naturales que todos tenemos en busca de nuestra identidad, nuestros lazos sociales o amorosos que surgen sin importar el contexto.

La fotografía es uno de los elementos técnicos con los que Anderson más ha experimentado a lo largo de su obra, encontrando la practicidad en los movimientos simples, la belleza e intimidad del plano cercano y la potencia narrativa de recursos más elaborados como el plano secuencia, en donde gracias al milimétrico manejo de las acciones, el tiempo, la luz, las sombras, el color y los movimientos se denota el control y la elegancia que ya sean vuelto tan característicos de su cine. Siendo este uno de los elementos que demuestran la destreza y libertad para articular una relación fluida desde ese primer diálogo entre Alana y Gary en donde se establece el tono con el que la cámara contribuirá a la fantasía de sentirse inmerso junto a los personajes.

Licorice Pizza es un bellísimo recordatorio de cómo el amor y sus claroscuros son parte fundamental de la vida y cómo incluso punzando y confrontando con ideas que ante la mirada actual podrían ser consideradas inadecuadas, racistas u homófobas, se demuestra que el pasado y su misticismo es un campo perfecto para dialogar y reflexionar sobre el presente. Una película que más que buscar contarnos algo, busca hacernos sentir la experiencia ajena.

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El Prófugo

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 21, 2022

EL PRÓFUGO

– Por Samuel Sánchez.

Se dice que las pesadillas son una manifestación de nuestro subconsciente, una representación de nuestras inquietudes más profundas. ¿Pero qué ocurre cuando las pesadillas se convierten en realidad? El Prófugo (2022) es el largometraje argentino seleccionado para representar a Argentina en la categoría de Mejor Película Extranjera en los premios Oscar de 2022. La historia busca cuestionar al público de conocer si se encuentra viendo el mundo terrenal del personaje o todo las acciones plasmadas a cuadro, son un espacio onírico.

La narrativa comienza con Inés (Erica Rivas) una actriz de doblaje y cantante de ópera que está a punto de viajar con su pareja Leopoldo (Daniel Hendler) a lo que promete ser unas gratificantes y relajantes vacaciones. En el transcurso del viaje Inés se percata que su pareja no es lo que ella creía, sus vacaciones se tornan en un constante estrés que no puede tolerar más. Llega la noche y en sueños Inés busca comunicarse con alguien, Leopoldo despierta a Inés y le exige que le diga con quién hablaba en su sueños; Inés solo le puede responder que tiene un sueño recurrente donde alguien quiere contactarse con ella, sin embargo, no puede distinguir con claridad quién es esa persona, pero de manera esporádica ocurre un evento traumático que cambia el rumbo de la pareja y es así que Inés comienza a plantearse la hipotética de creer que alguien la está acechando.

Pasa el tiempo e Inés vuelve a su realidad, continúa prestando su voz para el doblaje de películas japonesas al español y canta en el coro, pero paulatinamente su garganta comienza a irritarse y no le permite proyectar la voz como ella siempre lo ha hecho.

Inés comienza a vivir acontecimientos paranormales, la duda se plasma en su interior y siente que no logra comprender cuál es la realidad y donde inicia lo imaginario. No obstante debe permanecer alerta en todo momento debido a la sensación de correr peligro de algo que no logra ver. Es así que en el estudio de grabación, Inés gracias a una mujer mayor a ella, entiende el término de “Prófugos” y reconoce que su vida corre peligro al saber que hay seres que provienen de sus sueños y tienen como propósito consumirla.

Un concepto creado en el ámbito sobrenatural que es llevado por el suspenso, el planteamiento que todo “prófugo” puede ser liberado por medio de la voz y este apoderarse de la mente del portador.

La película genera un ambiente de incertidumbre donde llegamos a considerar que el personaje principal no tiene escapatoria y será consumido en un trágico destino. Al ir avanzando la trama comenzamos a dudar si todo lo que ocurre en realidad es un hecho tangible o es una alucinación que busca desorientar al personaje, la constante duda si enfrenta a espíritus o monstruos. Los acontecimientos arrojan la incógnita si las personas que rodean a Inés pueden ser o no Prófugos, es ahí cuando el salto de encuadres figura como un método efectivo para propiciar la idea que todo lo que ve Inés es una alucinación creada por estas criaturas que quieren salir de su cuerpo. La tensión aumenta con cada decisión que toma Inés, un frenesí de emociones controla la atmósfera para concluir con la incertidumbre de no saber si Inés logrará salvar su vida.

La directora Natalia Meta logra sembrar paulatinamente dudas a lo largo del arco narrativo, donde se cuestiona si todo lo que acontece en la trama es verídico o nos encontramos ante una persona que ha sido manipulada por entes que buscan ser liberados de una prisión paranormal a través de su voz. Desde su inicio la directora crea una atmósfera de suspenso psicológico en donde todo momento nos arroja pistas de lo que puede llegar a ocurrirle al personaje, sin embargo, al momento de conocer la verdad, nos encontramos ante una incertidumbre de cómo Inés logrará escapar a dicha manifestación de lo paranormal que está dentro de su cuerpo.

Siendo una adaptación de la novela de C.E. Feiling, el punto de vista que maneja es el terror al identificar cómo una fuerza invisible tiene posibilidades de atormentar al portador, controlar su mente y evocar la desesperación por acabar con su tortura, permitiendo ser poseída.

El largometraje a pesar de contar con ciertos momentos lentos en el guion, cumple con la sutil finalidad de dejar al público adivinando entre la idea si el personaje sufre un trastorno mental o en realidad fue controlada por un ente sobrenatural. Una impecable actuación por parte de Erica Rivas acompañada de un diseño de sonido perfectamente trabajado que sumerge en su totalidad a esta atmósfera de terror y horror. El prófugo es un claro ejemplo de cómo Argentina tiene la capacidad de contar historias de suspenso sin la necesidad de utilizar un gran presupuesto, ni música que provoque una sensación de pánico antes de presentar al monstruo.

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La médium, Entre el chamanismo y lo psíquico

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 11, 2022

La médium :

Entre el chamanismo y lo psíquico

– Por Árbol Rojo.

La historia del bien contra el mal se ha contado de muchas formas, lo cual es más común que el bien gane, pero en esta ocasión hablaremos de una historia en la que el mal triunfa. La medium (2021), una película de origen tailandés la cual es una mezcla entre los géneros de terror y falso documental. Este largometraje narra la vida de una chamán llamada Nim Tonvali y su familia, ella asegura estar poseída por la diosa Ba yan, quién protege a los enfermos que tienen dolencias espirituales. Ba yan, solo posee a las mujeres de la familia Tonvali y todo indica que quién la rechaza tiene graves consecuencias.

Para el mundo exterior una chamán no conlleva mucho significado, más en Tailandia en el área de Isan los ritos y ceremonias van más allá de la comprensión humana.

La película se centra en tratar de entender a una deidad simbólica, que protege y cura; tan indispensable como un doctor en cualquier ciudad. La ritualidad de Ba yan y la conexión con Nim crean un ambiente esotérico que envuelve hasta el más escéptico.

En la familia de Nim existían problemas espirituales desde antes de que comenzaran los eventos de la película, la fractura de la relación entre ella y su hermana Noi es una de las perdiciones de esta familia. Poco a poco llevará a que todos los demás integrantes estén perdidos en sus propios deseos, ignorando el peligro que los acecha. Mink, la única hija de Noi empieza a sufrir un trastorno que la hace actuar erráticamente, sin saber que es, solo se piensa en Ba yan y la transición de posesión a una nueva chamán en la aldea. No obstante la muerte y desgracia acechan desde el lado oculto de los espíritus moviéndose a través de la familia y dejando un rastro de sangre.

El film juega con las emociones más profundas y las perspectivas que tenemos sobre aquellos que nos rodean, haciendo ver a otros como algo siniestro. Cuanto más avanza más nos adentramos en la verdadera naturaleza de lo espiritual y como todo de una forma u otra se conecta con Ba yan. Para cada personaje dentro de esta historia el punto clave se encuentra en sus instintos y como la situación se va desarrollando hasta tornarse incomprensible. Mientras más se esfuerzan por librar a Mink de lo que pareciera ser Ba yan, el espíritu se torna aún más irascible y violento.

La visión del director Banjong Pisanthanakun de que parezca un documental te hace dudar sobre la veracidad de los hechos ocurridos en la película. En un inicio todo es llevado en forma de reportaje más los clichés que deja el avance de la película evidencian el área segura que ha tomado la dirección del proyecto. Aun así los ritos hacen cuestionarse sobre la realidad de la cultura tailandesa y sus creencias. El guión de Na Hong-jin y Banjong Pisanthanakun y sus

perspectivas nos introducen a lo sobrenatural y hace crecer el sentimiento de intriga hacia lo desconocido, de todas maneras no llega al cenit ya que durante la primera mitad de la película el cambio drástico de protagonista crea un sentimiento de indecisión en el guión que acompaña a toda la película.

La película muestra una enseñanza mayúscula, ya que narra las creencias y rituales de la cultura ancestral; que tiene como centro a los dioses, sin dejar de lado la carga que conlleva ejercerlas como chamán. La medium va de un lado al otro ejerciendo una presión en lo que creemos, lo que vemos y lo que pensamos de aquello que no comprendemos. Sin embargo las religiones tienen caras y formas, las deidades antiguas no comprenden este significado, ya que ni siquiera las encontramos vívidas en la memoria de aquellos que les rezan.

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Cine mexicano llega fuerte a la edición 72 de la Berlinale

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 10, 2022

Cine mexicano llega fuerte a la edición 72 de la Berlinale

– Por Árbol Rojo.

El Festival Internacional de Cine de Berlín es uno de los más esperados, conocido por exhibir películas y cortometrajes trascendentales. Por años se ha visto cómo los cineastas, guionistas y productores mexicanos tienen presencia con paso firme en los festivales más prestigiosos, el año pasado no fue la excepción, México obtuvo un premio: el oso de plata, a Mejor Contribución Artística con la película “Una película de policías”. En esta edición número 72°, existen seis posibilidades de ganar, con dos cortometrajes y cuatro films. Con cada largometraje más realista y fascinante que el anterior.

Una de las más esperadas es Manto de Gemas (México/Argentina/USA) de Natalia López Gallardo, que ha sido nominada anteriormente en el Premio Ariel y el Premio Fénix a la Mejor Edición. En su nuevo film muestra una historia descarnada en la que tres mujeres se enfrentan al crimen organizado. Isabel intenta ayudar a la hermana desaparecida de su ayudante, María solo quiere recuperar a su hermana, mientras

Roberta una comandante de policía tan solo quiere sacar a su hijo del narcotráfico. Por otra parte en la división Berlinale Short Films se encuentra Four Nights (USA/México/Nepal) dirigida por Deepak Rauniyar, trata de dos nepalíes que llegan a USA para realizar sus sueños de ser creadores de cine, más esta decisión podría cambiar su relación irreparablemente. En la sección Panorama Feature Films se encuentra El norte sobre el vacío (México) de Alejandra Márquez Abella. Nos cuenta como Alejo Garza Tamez, empresario de Tamaulipas se enfrentó en 2010 contra el crimen organizado, que le exigía entregar su rancho. Está basada en hechos reales.

En el apartado Generation K-Plus se encuentran seleccionadas El reino de dios (México) de Claudia Sainte-Luce que nos abre los ojos a Neimar, un niño que reside en el campo y se encuentra en una encrucijada entre la fe y la desilusión, entretanto busca la felicidad en la compleja realidad que vive. Por otra parte el cortometraje Alma y Paz (Mexico/USA) dirigida por Cris Gris, narra el fuerte lazo de una niña con su madre fallecida, mientras su adulta media hermana la empuja hacía los planes a futuro. La división Generation 14 plus trae a Beba (USA/México) de Rebeca Huntt, narrando como una chica latina en Nueva York comienza a madurar y darse cuenta del crudo legado social que le ha tocado.

Cada película cuenta con una historia que realza la realidad mexicana y los enfrentamientos esperanzadores que se buscan en el futuro aunando en la realidad que no se aparta del guión.

Todo esto sin siquiera contar el programa Berlinale Talents (networking) que contará con seis jóvenes prometedores de la industria en México, que fueron seleccionados internacionalmente, ellos son: Regina Serratos (distribuidora), Arturo Salazar (diseño de sonido), Fabiola Santiago (crítica de cine/periodista), Analía Goethals (editora/directora), Miguel Ángel Sánchez (productor/director) y Kevin Smithers (banda sonora).

También habrá cinco productores en el Programa de Visitantes del Mercado de Coproducción los cuales son: Ana Laura Calderón, Gabriela Maldonado, Juan Manuel Sepúlveda, Carlos Hernández y Gabriel Stavenhagen con el objetivo de aumentar la coproducción con otros países. Por parte de los premios Teddy división dentro del festival nos emociona mencionar que Pepe Ruiloba, nuestro director de programación en Árbol Rojo será jurado dentro de la sección de cine LGBTQ+.

Este año México podría obtener reconocimiento en este festival, no solo por el trascendentalismo de cada film sino por la realidad que se esconde debajo el cine.

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Carlos Carrera: La ilusión de la fantasía para explorar realidades imperfectas.

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada febrero 2, 2022

Carlos Carrera:

La ilusión de la fantasía para explorar realidades imperfectas.

– Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Durante la década de los años noventas el cine mexicano pasó por un momento incierto, debido a la sequía en la producción nacional a partir de varios eventos contextuales que afectaron el desarrollo de la industria fílmica en nuestro país. Dando como consecuencia poca producción que no cumplía las expectativas de los públicos, fomentando una idea errónea e indiferencia ante el cine producido en nuestro país, la cual perduró en nuestras audiencias por décadas. Claramente esta parsimonia temporal no era un reflejo de la falta de talentos, ya que fue cuando México vio surgir a mentes que hasta la fecha han sido pivotes para la promoción del cine nacional en los más altos niveles.

Entre esas figuras tan importantes de la cinematografía nacional podemos encontrar a Carlos Carrera, un joven lleno de entusiasmo que desde una corta edad cuestionó y exploró la realidad por medio de la creación, siguiendo su pasión por relatar historias se volvió un autodidacta inspirado por la elocuencia de las imágenes, que lo hicieron buscar en los dibujos un lenguaje para traducir aquello que se quedaba corto ante las palabras, pero que lo llevó ante lo audiovisual generando un puente entre los sentidos y los relatos que surgen de lo cotidiano desde exploraciones más impresionistas que se acercan a los públicos sin importar el medio, la técnica o el género, pero si entendiendo que todos los públicos merecen una narración imaginativa y crítica.

Así como los pintores impresionistas de finales del siglo XIX, Carlos Carrera persiguió otra idea de belleza, una que le permitiera interactuar con el arte desde una figuración que antepone la imperfección y juega con la honestidad frente a la belleza canónica, cuestionando las heridas sistemáticas de la sociedad y especulando ante un terreno escabroso que muestra la crudeza internalizada de la humanidad; una realidad que desde su subjetividad conecta y crea experiencias multidimensionales.

La necesidad de Carrera para encontrar historias en cualquier rincón habitual lo ha llevado a no encasillarse y experimentar con la televisión, el teatro y el cine, como productor, escritor, dibujante, animador y director tanto en el cortometraje como en el largometraje en live-action como en animación, ha construido una robusta experiencia como narrador. Lo que le ha permitido encontrar las mejores maneras para acercar al espectador frente a un relato que interconecta temas, formas de producción, técnicas discursivas e incluso apuesta por una estética divergente a la habitual.

Entrar al cine de Carlos Carrera no significa entender la realidad del mexicano, sino poder insertarse en una revisión integral de las carencias universales que devienen en defectos que alimentan el lado más oscuro del ser humano, cuestionándole subjetivamente desde un imaginario desbocado que pretende no asemejarse totalmente al mundo en el que se basa, sino usarlo para engendrar historias de simpleza aparente pero que son solo el nivel más superficial de una compleja serie de capas que generan un mundo propio

No olvides inscribirte al “Taller de realización cinematográfica” que impartirá virtualmente el realizador mexicano de la mano con Árbol Rojo. Encuentra todos los detalles en el siguiente enlace: http://arbolrojocine.com/taller-virtual-de-realizacion-cinematografica/

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NUESTROS TOP 10 PELÍCULAS DEL 2021

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada diciembre 31, 2021

Nuestros top 10 del 2021.

– Por Árbol Rojo.

El 2021 estuvo lleno de grandes filmes y novedosas apuestas para la próxima temporada de premios, así que los colaboradores de Árbol Rojo prepararon unas listas de sus películas favoritas. Te presentamos estos top 10 personales sobre las mejores cintas que nos trajo este año, y esperamos que consideres verlas si no lo has hecho ya.

Top 10 Alejandro Silveira

THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino (Italia)
THE POWER OF THE DOG de Jane Campion (Australia)
TITANE de Julia Ducournau (Francia)
UNA PELÍCULA DE POLÍCIAS de Alonso Ruizpalacios (México)
DUNE de Denis Villeneuve (Estados Unidos)
THE WORST PERSON IN THE WORLD de Joachim Trier (Noruega)
DON´T LOOK UP de Adam McKay (Estados Unidos)
LAMB de Valdimar Jóhannsson (Islandia)
MALIGNO de James Wan (Estados Unidos)
ANNETTE de Léos Carax (Francia)

Top 10 Pepe Ruiloba

1. SPENCER de Pablo Larraín
2.THE WORST PERSON IN THE WORLD de Joaquim Trier
3. BERGMAN ISLAND de Mia Hansen-Løve
4. FLEE de Jonas Poher Rasmussen
5. TITANE de Julia Ducournau
6. MASS de Fran Kranz
7. THE LOST DAUGHTER de Maggie Gyllenhaal
8. IN THE HEIGHTS de John M. Chu
9. BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN de Radu Jude
10.COMPETENCIA OFICIAL de Gastón Duprat, Mariano Cohn

Top 10 Mauricio Orozco

MEMORIA (2021) de Apichatpong Weerasethakul
TITANE (2021) de Julia Ducournau
DAYS (2020) de Tsai Ming Liang
VITALINA VARELA (2019) de Pedro Costa
LAMB (2021) de Valdimar Jóhannsson
SUMMER OF SOUL (…OR, WHEN THE REVOLUTION COULD NOT BE TELEVISED) de Ahmir-Khalib Thompson
EL PODER DEL PERRO (2021) de Jane Campion
PIG (2021) de Michael Sarnoski
FEAST (2021) de Tim Leyendekker
FLEE (2021) de Jonas Poher Rasmussen

Top 10 Carlos Chablé

DON’T LOOK UP de Adam McKay
DUNE de Denis Villeneuve
THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
LAMB de Valdimar Jóhannsson
TITANE de Julia Ducournau
ETERNALS de Chloé Zhao
RED ROCKET de Sean Baker
SWAN SONG de Benjamin Cleary
EL DRAGÓN DE LA TETERA de Chris Appelhans
UNA PELÍCULA DE POLICÍAS de Alonso Ruizpalacios

Top 10 Eduardo «Güero»

PIG de Michael Sarnoski
TITANE de Julia Ducournau
LAMB de Valdimar Jóhannsson
LOS CONDUCTOS de Camilo Restrepo
MIDNIGHT MASS de Mike Flanagan
THE POWER OF THE DOG de Jane Campion
MEMORIA de Apichatpong Weerasethakul
ANNETTE de Léos Carax
THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
LOS HERMOSOS VENCIDOS de Guillermo Magariños

Top 10 Rodrigo Sayavedra

UNA PELÍCULA DE POLICÍAS de Alonso Ruizpalacios
THE HAND OF GOD de Paolo Sorrentino
THE POWER OF THE DOG de Jane Campion
PIG de Michael Sarnoski
C’MON C’MON de Mike Mills
THE GREEN KNIGHT de David Lowery
DON’T LOOK UP de Adam McKay
MADRES PARALELAS de Pedro Almódovar
SPIDER-MAN: NO WAY HOME de Jon Watts
LA FAMILIA MITCHELL VS. LAS MÁQUINAS de Michael Rianda

Top 10 María Fernanda Barriga

NOCHE DE FUEGO de Tatiana Huezo
TITANE de Julia Ducournau
SPENCER de Pablo Larraín
TICK TICK BOOM de Lin Manuel Miranda
ZOLA de Janicza Bravo
INSIDE de Bo Burnham
WEST SIDE STORY de Steven Spielberg
THE ETERNALS de Chloé Zhao
IN THE HEIGHTS de Jon M. Chu
MAINSTREAM de Gia Coppola

El próximo año promete ser uno emocionante, de más cine y grandiosas películas. Estamos ansiosos por ver el nuevo contenido fílmico que traerá el 2022. De parte de los colaboradores y todo el equipo que conforma Árbol Rojo, les deseamos un feliz Año Nuevo.

¡Nos vemos en el 2022 para ver y hablar más de cine!

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Nota

Medusa: Mirar a los ojos del neofascismo.

Autor de la entrada Por arbolrojocine
Fecha de la entrada diciembre 7, 2021

MEDUSA :

Mirar a los ojos del neofascismo.

– Por Mauricio Orozco
@Eralvy

Bajo un definición general del término, entendemos — justicia — como una convención universal de criterios, principalmente, morales y éticos para generar una interacción interpersonal equitativa. Sin embargo, este concepto cambia su acepción cuando es replanteado desde una visión religiosa, en donde por lo menos desde el cristianismo, la justicia de Dios consta en la benevolencia para la salvación, y la justicia del hombre se podría resumir como una fidelidad total a la autoridad divina.

Brasil es un país conocido por su gran cantidad de feligreses y seguidores del cristianismo en sus diferentes divisiones. Es una nación que tiene un alto nivel de conservadurismo que ha permeado incluso en la clase política, apoyando discursos de odio que atentan contra la diversidad y los derechos humanos, fomentando la división social y dandole poder a fanáticos que se creen capaces de “aplicar la justicia por su cuenta”.

En 2019 toma la presidencia Jair Bolsonaro, un conservador extremista que ha llevado el país a un retroceso en cuestiones de medio ambiente, diversidad, salud, economía y derechos humanos, entre otras cosas. Tanto él como la mayoría de los miembros del poder legislativo y el poder judicial se identifican como miembros de la iglesia evangelista con una visión catalogada como extremista. Lo que generó que solamente durante el 2019 se hayan permitido más de 200 ataques neofascistas contra mujeres por grupos de ultraderecha que buscaban la justicia golpeando, mutilando o matando personas que salían del parámetro de lo “correcto”. Incluso estas conductas de agresión han llegado tan lejos, que desde el 2015 la Iglesia Universal del Reino de Dios creó el ejercito fundamentalista, mejor conocidos como “Los gladiadores del altar” conformado por miles de jóvenes reclutados para patrullar las calles ejerciendo la justicia desde los parámetros morales, sin que la autoridad haga algo al respecto.

Anita Rocha de Silveira con preocupación se acerca a esta realidad para generar una pieza audiovisual que entremezcla el terror psicológico, la crudeza de la violencia y la sátira por medio de la comedia musical. “Medusa” (2021) es su segundo largometraje, en donde cuenta la historia de un grupo de mujeres pertenecientes a una congregación católica, quienes están obsesionadas con la belleza, las redes sociales, la opinión de los demás, casarse y hacer justicia por su propia mano, agrediendo a mujeres “libertinas” por las noches.

A partir de sus trabajos previos tanto en cortometraje como en largometraje, la directora se centra en la juventud desde una mirada que mezcla géneros cinematográficos para articular narraciones con poderosos contrastes formales que propulsan una crítica llamativa y contundente. En esta ocasión nos adentramos a una obra basada en la realidad que entreteje la mitología por medio de la figura de Medusa; una doncella encargada del templo de la diosa Atenea, donde fue violada por Poseidon y castigada por Atenea, quien cambió sus cabellos por serpientes con la capacidad de convertir en piedra a cualquiera que la mirara directamente a los ojos. Una metáfora bastante cruda y directa del Brasil contemporáneo, que se aprovecha de los contrastes para generar una atmósfera que se acerca al surrealismo de Lynch y la estética brillante de Argento en una confrontación sin sutileza, que decanta en una impresión catártica, exponiendo y criticando un perfil de doble moral en donde la violencia encuentra justificación como un acto de amor a Dios.

Estrenada en la más reciente edición del Festival de Cannes, en la sección Quinzaine des Réalisateurs comenzó un camino fructífero en festivales de todo el mundo, haciéndose de premios como: el de Mejor Película Latinoamericana en el Festival de Cine de San Sebastián, Mejor Película Internacional en el Festival de Raindance, Mejor Directora en el Festival de SITGES y Mejor Actuación en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, entre otros. Esta película fue la encargada de inaugurar la sexta edición de Cuórum Morelia.

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